Монументальная живопись – это панно, роспись, мозаика, витражи. Содержание произведений монументальной живописи гармонирует с назначением и монументальным смыслом соответствующего архитектурного комплекса.

К жанру монументальной живописи относятся живописные произведения большого размера, которые украшают какое-нибудь архитектурное сооружение внутри или снаружи. Художник создает их для определенного здания, для его стен, зала или потолка.

Монументальная живопись отличается своими размерами и содержанием. И темы для этих картин выбираются значительные: историческое событие, героические подвиги, народные сказания. А грандиозность размеров объясняется тем, что это искусство функционирует, как правило, на больших расстояниях. Отсюда и такие свойства, как лаконизм художественного языка, броскость, повышенная «интонация».

Рассмотрим эволюцию монументальной живописи. Первые произведения относятся к творчеству первобытных художников. Это росписи пещер, картины на камнях. Живопись европейского средневековья и Возрождения концентрировалась в общественных, наиболее посещаемых людьми местах - в соборах и храмах и, обращаясь к широким массам, имела колоссальное воздействие на людей. Но постепенно эта живопись стала терять свою идеологическую направленность и убеждающую силу.

Более того, монументальная живопись, как один из видов изобразительного искусства, вообще умирает ко второй половине XIX века. Живопись, покинувшая храмы, прочно входит в частные дома. Она уже не связана с архитектурой, она предназначается для частного пользования. Она уравнивается в правах с мебелью и окончательно теряет общественную функцию. Художники специализируются каждый в своем жанре и в своей технике.

Монументальная живопись в социалистическом обществе, продолжая традиции великих мастеров прошлого, утверждавших идеи гуманизма, призвана участвовать в активном преобразовании действительности.

Одним из самых ярких примеров монументальной живописи советского периода является декоративное убранство московского метро. Огромная роль в декоративном убранстве столичного метро принадлежит выдающимся советским художникам и скульпторам.

В начальный период строительства столичного метро при оформлении станций часто использовалась фресковая роспись. Однако большинство этих произведений не выдержали испытания временем, покрылись скрывшей их от глаз металлической пылью. Грандиозные фрески плафонов на станции «Измайловский парк», росписи на стенах вестибюлей станций «Комсомольская» - радиальная и «Красносельская» были впоследствии забелены. В настоящее время фресковые росписи сохранились только на станции «Киевская» Арбатско-Покровской линии и на куполе промежуточного эскалаторного зала станции «Таганская» - кольцевая.

Широкое распространение получила монументальная живопись в виде смальтовой и флорентийской мозаики. Она не подвержена порче в условиях эксплуатации метрополитена и украшает стены и своды многих станций и вестибюлей.

Впервые смальтовые плафоны были созданы выдающимся советским живописцем А. Дейнекой на куполах свода станции «Маяковская». Мозаики посвящены теме «Сутки советского неба», они предельно лаконичны, необычайно красочны, современны и отражают помыслы советских людей в предвоенные годы. Размещение этих мозаичных картин в куполах среднего зала станции было несколько рискованным. Они видны, лишь, когда стоишь непосредственно под ними и глядишь вверх. Жизнь показала, что архитектура станции «Маяковская» пользуется огромной популярностью, присущей самым выдающимся сооружениям. На платформе этой станции постоянно находятся группы туристов. Люди разглядывают все вокруг, любуются совершенными формами, обмениваются впечатлениями. Не пассажиры, а туристы. Они наслышаны об этой станции, видели фотографии и кинокадры, ехали издалека, чтобы посмотреть, прочувствовать, запомнить. И вот тут как своеобразный приятный сюрприз выступают с полной отдачей произведения А. Дейнеки. Мозаичные плафоны вызывают радостное изумление зрителей. Так «рискованное» размещение картин на станции «Маяковская» оказалось оправданным и целесообразным потому, что архитектура и живопись достигли здесь наивысшего качественного уровня.

Наиболее важная и наиболее трудная задача архитекторов, художников и скульпторов — достичь совершенной красоты сооружений. Творения настоящих художников воспитывают патриотические чувства, приносят радость людям. Красота сама по себе огромное богатство, но не всякое богатство — красота. Чаще всего, богатство порождает излишества, а излишества — признак дурного вкуса. Еще древние греки иронизировали: «Не сумел сделать красиво, поэтому сделал богато».

Александр Александрович Дейнека вошел в историю советского изобразительного искусства как автор многих живописных и графических произведений, фресок, росписей, мозаик, скульптур. Он одним из первых стал возрождать забытое искусство: мозаику и фреску. Мозаика в то время была в новинку, ее надо было оживить, дать новые темы. Дейнека блестяще изучил историю и специфику этих древнейших видов живописи, его любимая мозаика «Битва Александра Македонского с Дарием» эпохи поздней античности была неистощимым источником вдохновения и школой на протяжении всей жизни художника.

Так же, как и у художников Возрождения, творчество которых Дейнека хорошо знал и любил, центральным образом в его искусстве всегда был человек. Герой Дейнеки - цельная, гармоничная личность. Возможно, это было своеобразной реакцией культуры на глубокий утонченный психологизм XIX столетия.

Во второй половине 1930-х годов в искусство Дейнеки широко входят новые темы. Особенно характерны для этого времени две: авиация и история.

Очень примечательна картина «Будущие летчики». «На картине изображены три обнаженных мальчика на берегу моря в Севастополе, наблюдающих за полетом гидроплана. Хотя зритель видит только их спины и затылки, ему полностью передаются их заинтересованность самолетом, их живая реакция и даже в какой-то мере своеобразие индивидуальности каждого из них. Название картины как нельзя лучше соответствует содержанию созданного Дейнекой образа».

"Будущие летчики" — картина яркая, звонкая по живописи. "Будущие летчики" — картина жанровая, улыбчивая, вызывает чувство радости, восторга; написанная широко и звучно, она интересна и по композиции. Вот эти бронзовые от загара мальчишки — вы не видите их лиц, но отлично ощущаете, как внимательно наблюдают они за полетом гидроплана. Фигуры органично вписаны в пейзаж — бесконечные морские дали и бездонное синее небо... Мальчишки следят за полетом гидроплана. В этой картине много солнца и света, простора, морского ветра. Изгиб набережной напоминает гигантский лук, с тетивы которого только что был пущен самолет. И за ним устремляется сейчас мальчишеская мечта... Кажется, все предельно просто. А ведь этой простотой Дейнека как раз и достигал поразительных результатов.

Картину можно назвать одним из лучших произведений социалистического реализма. В ней гармонично соединились высокое художественное качество и жизнеутверждающее содержание. Композиция построена художником таким образом, что пространство видоизменяется. Летящий гидроплан «меняет впечатление от окружающей среды», вектором своего движения он зрительно приближает горизонт. Подростки на первом плане внимательно и «со знанием дела» следят за маневрами самолета и по-юношески увлеченно обсуждают траекторию его полета. Содержанием произведение становится не столько жанровая сценка, сколько метафора прекрасного будущего, в которое устремлены герои и в которое невольно хочется поверить и зрителю.

Александр Александрович Дейнека пришел в художественный институт с фронтов гражданской войны. Он хотел быть летописцем Советской страны, стремился передать то, что считал главным в «буче боевой, кипучей».

Героям Дейнеки некогда скучать, предаваться сомнениям. Им подчиняются станки, футбольный мяч, воздушный океан. Они дружат с ветром на беговых дорожках и на верхних этажах новостроек. Мужает молодая Советская республика. События сменяют друг друга, идут на смену друг другу и герои художника: донецкие ребята, купающиеся в обеденный перерыв в пруду, матросы со связками гранат, встающие на пути врага в осажденном Севастополе, тракторист 50-х годов...